陈逸飞的油画《吹笛者》送交者: Passer-By-From-Texas 于 November 07, 2010 01:30:42:
回答: 呵呵 由 草绿 于 November 05, 2010 19:07:27:
让下面的冰花再跟了几个字，这可是架好了绞架啦。是死是活，我一定视斯如规！ ：）
人类会画（不是绘画嚎：）有上万年的历史，画得像不像，一直到几百年前的西洋人的“写真”油画，逼真度堪比照相。后来，即使是画皇亲贵族或现代“官方”所用的人物肖像，在逼真度上加点艺术提升。看看美国白宫、地方州府内的人物油画肖像，恭维性的夸张也是显而易见的：）中国近代的陈逸飞跑美国来画的人物写真，惟妙惟肖的逼真，精湛的技术给艺术只留下一点余地：把主体人物高度理想化，观众只有在定神之后方觉得，如此理想的形象只有是画出来的才是可能。：）
摄影历史，一、二百年。从起步的pinhole相机就能照出只有世上为数不多的绘画大师才能做到的精准的比例和透视关系的影像，一切就是实物的“缩影”。：）“逼真的像实物一样”是与生俱来的。但是，摄影作品要成为有超现实的效果、做到“取之生活，又高于生活”的升华作品，应该是在数码摄影和现代电脑图像处理软件诞生和普及以后（早期的暗房操作真是非常有限和初级的）。
“摄影家有……真与不真的烦恼”。“有很多像画的照片”。哈哈，看来画家们被“非议”的很少，“烦恼”的多为摆弄相机者？！：）这是个大话题，要讲透，不是我的能力范围所能及的：）。以我的有限的认识，我觉得：
一、 不同于绘画，摄影一直有其双重性：（1）技术摄影（technical photography）——以照相来记录信息（法律摄影 同时，对于已去过阿拉斯加的或者更关心风光照片技术的读者，在看到带有戏剧性的自然景象的照片时，先是感叹，马上（本能地）是要“强化”、“夸张”那些戏剧化的成分，比如细节的提高、色彩丰富度的增加等等，这是后期艺术加工的动机和结果。但是，有一点要明确的，在这里出现的几个后期加工版本，都是在原有照片的基础上作原有元素的强化而没有添加或从新组装“山头”和“河流”：）。譬如，面包那幅照片的远处山峦，原始照片暗淡，那是相机镜头和感光芯片的局限（更好的相机会有所提高），但是，作饱和提升后，有湛蓝的颜色出现。这种颜色不是新的着色，而是在饱和提升过程把原本存在的湛蓝色的比例提高了。也许一位经验更丰富、技术更娴熟的摄影手在更好的设备条件下，不少画面色素、分辨率是可以前期展现出来的。所以，这不应该被看着是作假，如果在艺术展览厅的氛围下，很有可能是被赞叹艺术的作品。 三、 “没看见的”与“不存在的”的区别是观赏者的眼力。比如，一个红苹果放于一个铺有蓝布桌上。在苹果的背光部分，不是纯暗红色，而是含有蓝布反光的深红色，同时，桌布上苹果投影处也有部分红色的反光。当把这样的照片在Photoshop里把饱和增强（saturation enhancing）提到极端时，你会看到两处各有红、蓝色出现。画家在作画时，这部分叫过度色，是画家充分发挥图画艺术感染力的地方。在合理后期处理过的照片上，这样的过度色也会被展现出来，这就是所谓“像画的照片”。 一言以蔽之，在不作添加物体、重组图像内物体位置，而只是色彩、锐度、图像比例修正（譬如把被广角镜曲化的物体纠正过来）、光线对比调整的后期处理，不应该被看成是“失真”，至于这个“度”的把握，第一根据照片的最终用途（见上面“二”），然后才是对“艺术的主观性”的自己把握，也是摄影艺术家风格的一部分。
二、 我们被“真与不真烦恼”的就是中间非专家级摄影手：）和观看环境。摄影手拍出来的照片既不能（会）用于法庭、科学出版物，也不能好到去展览，常常是应不同的观看场合，在技术摄影和艺术摄影间游走。这是我理解的“真与不真的烦恼”的起因。面包的《Denali 国家公园》系列以介绍阿拉斯加旅游为导线选帖的纪录照片（作者自己没有做深度的后期艺术加工）。抱着了解旅游信息或者亲朋好友了解面包行程的读者期待的照片要“越朴实越好”，可以提供是否“值得一去”或者面包去了什么样的地方的基本资料。这类照片就是大多数旅游导读手册里的照片，要漂亮但是不能是艺术化的（“假”）。“非艺术化”还包括比如拍花卉的照片，就必须让主题花放在照片中间，不需要置于“黄金分割点上”。至于色彩对比的夸张，都是被指称“失真”。
由六幅间隔在一档曝光度差距的照片合成的HDR（高宽容度）的合成照片。这个技术旨在提高一幅照片里能把高光、和深暗区域内的细节都包容在一起，同时又必须使展示的媒介能表现、人的肉眼能看见。
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